>> Essay geschreven in het kader van de workshop circuskritiek georganiseerd door Circuscentrum in oktober-november 2015
>> Auteur: Hanne Jacobs
>> Voor overname artikel: contacteer maarten[at]circuscentrum.be
Alles evolueert. Zelfs een steen in een vergeten dal verandert van grootte of textuur onder weersomstandigheden. Voor circus is dat niet anders: de tijdsgeest verandert en daarmee ook de artiesten en hun publiek. Maar waar andere kunstvormen zoals theater en dans het volste vertrouwen lijken te hebben in hun hedendaagse variant, zien we het circus aarzelen. Artiesten zoeken naar hun eigen manier om aan hedendaags circus te doen, maar wie de juiste vorm gevonden heeft, twijfelt nog of hij wel mag breken met bepaalde circusconventies die jaren of zelfs eeuwen oud zijn. Wie vandaag voet zet op een circusfestival zoals Theater op de Markt in Neerpelt of Gevleugelde Stad in Ieper kan de twijfel proeven in de lucht. En dat is zowel voor bezoeker als performer onwaarschijnlijk zonde.
De gemiddelde toeschouwer is geen artiest. Een voorstelling heeft daarom iets nodig dat de artiest met zijn toeschouwer verbindt. Want hoewel ze heel wat met elkaar delen, spreken de kunstenaar en de liefhebber een andere taal. Circusartiesten spreken in beelden, in sprongen, in gelaatsuitdrukkingen, in techniek. Het publiek is de taal van alledag gewoon, het onomwonden gesprek, de lichaamstaal die doorgaans netjes aansluit op het gesproken woord. En misschien is deze vooringesteldheid nog sterker: het grote publiek is vertrouwd met de traditionele circusvoorstelling. En het hoeft niet gezegd dat wie met zulke verwachtingen naar een hedendaagse voorstelling trekt bedrogen zal uitkomen. De loutere circusliefhebber heeft nood aan iets extra’s om de eigentijdse performer op het podium of in de piste te kunnen verstaan.
Gokwerk is gekkenwerk
Naar dat ‘iets’ wordt tot nog toe vaak enkel geraden, en dus vullen te veel circusartiesten het volkomen verkeerd in. Zo grijpt de Franse compagnie Akoreacro in haar nieuwste voorstelling ‘Klaxon’ terug naar typetjes à la Charlie Chaplin en Laurel and Hardy. De acteertechniek die zulke typetjes kenmerkt, ontstond niet toevallig met de stomme film. Lichaamstaal en gezichtsuitdrukkingen werden er in de eerste plaats sterk uitvergroot opdat de kijker zou verstaan wat een personage vanbinnen voelde, zonder dat die daarvoor woorden nodig had. In een stomme film zijn die gevoelens banaal en is een banale vertolking op haar plaats, maar de uitmuntende techniek van de acrobaten (én muzikanten) in ‘Klaxon’ tart alle verbeelding, en uitvergrote figuurtjes zorgen hier net níet voor emotie. Het lijkt wel alsof de straffe stunts – die door de live muziek nog eens worden versterkt – eerder vragen om een serene vertolking en het nu allemaal wat veel wordt voor het publiek. De vlieger met Spaanse roots vliegt als een gek in het rond terwijl hij temperamentvol gebaart en aldoor ‘Gracias!’ roept. Het acteerniveau doet het technische niveau geen eer aan en die mis-match zorgt voor een rommeltje in de piste. Akoreacro is terecht trots op haar talentvolle muzikanten en buitengewoon atletische acrobaten, want ze zijn technisch zo sterk dat ‘Klaxon’ hoe dan ook volle tenten trekt.
Dat het wringt zien we ook aan de artiest. Diens vertolking doet gedwongen aan, alsof het personage er enkel is omdat de artiest dénkt dat het zo hoort, en niet omdat hij daar weloverwogen en volkomen zelfstandig voor gekozen heeft. Bijgevolg is er enkel nog sprake van een uitvoerder in een verkleedpakje. De Rus op de contrabas weet zich als niet-acrobaat maar moeilijk een houding te geven en brult tijdens het spelen dan maar wat Russische bevelen naar zijn compagniecollega’s, en de verlegen conciërge blijft een lenige spierbundel, daar kunnen de blauwe overall en het preutse hoedje niets aan verhelpen. Het personage doet afbreuk aan het kunstig potentieel van de artiest en we zien hoe een acteerprestatie zelfs het meest hoogstaande technische niveau naar beneden kan halen.
Iets gelijkaardigs overkomt ‘Mad in Finland’ van Galapiat Cirque. De Finse dames hebben er resoluut voor gekozen hun stunts in Finse stereotypen te gieten: ze doen aan ijsvissen op de rola rola, koorddansen in tangokledij. Maar de verhaalvorm en de techniek raken elkaar niet oprecht en het is pijnlijk zichtbaar hoe de Finse clichés er enkel zijn om de opvoering van de circustechnieken te legitimeren. Ofschoon iedere artiest zichtbaar geforceerd zijn of haar rol portretteert, lijken de gezelschappen er rotsvast van overtuigd dat het publiek die rollen wil zien en geven ze zich volledig over aan hun verkeerd ingeschatte publieksverwachting.
Zelfonderzoek
Het ‘iets’ dat gedwongenheid moet vermijden en een brug moet slaan tussen artiest en publiek, gaat daarom concreet over een harmonieuze versmelting van uitvoerder en personage. Over een soort van mentale rustpositie waarin de kunstenaar zich comfortabel voelt terwijl hij zich tegelijkertijd fysiek op het hoogtepunt van zijn kunnen bevindt. Zo’n toestand kan een artiest alleen bereiken in een zorgvuldig uitgekozen rol. Want wringt het acteren, dan krijgt de hele voorstelling een gênante sfeer, uitmuntende techniek of niet. De rol kan gerust volkomen autobiografisch zijn wanneer de circusartiest er bijvoorbeeld bewust voor kiest niets meer te willen brengen dan zijn techniek en de uitdagingen ervan.
Zo toont Compagnie XY in haar jongste voorstelling ‘Il n’est pas encore minuit’ hoe een grote groep jonge acrobaten in samenwerking en vertrouwen veel verder gaat dan ze alleen ooit zou kunnen. Voor die indruk zijn de stunts en de individuele eigenheid van haar leden voldoende, geen maskers vereist. Het juiste personage garandeert dus paradoxaal genoeg dat de artiest centraal staat, zelfs wanneer die met objecten werkt. Het maakt van een voorstelling méér dan een opvoering van technische hoogstandjes, want de uitvoerder behoudt de controle en is geen slaaf van zijn techniek. Vindt de artiest die controle, dan wordt zijn voorstelling een hedendaagse circusvoorstelling. Vanuit die overtuiging stelt ook danser, contorsionist en allround artiest Alexander Vantournhout: “Jongleren is objecten organiseren in de ruimte, geen [hedendaags] circus”. Toch is en blijft techniek een prioriteit in het circus, dat tonen onder meer de toelatingsvoorwaarden van heel wat circusscholen. Een vernieuwde onderwijsvorm waarin meer plaats is voor zelfonderzoek en theater zou een stap in de juiste richting kunnen betekenen. Want hoe dan ook moeten de jonge artiesten na hun technische opleiding verder, alleen of in een gezelschap. En willen ze geen sport maar hedendaags circus brengen, dan is techniek onvoldoende.
Dialoog
Voor een grote stap in de circusevolutie is dus de kunstenaar verantwoordelijk. Heeft hij de sleutel gevonden, dan kan hij het publiek mee binnenvragen. Maar het is hier dat twijfel binnensluipt. Artiesten lijken er niet op te vertrouwen dat als zij hun hart volgen, het publiek die keuze ook zal begrijpen. Dat wantrouwen verklaart de keuze voor verouderde typetjes zoals we die onder andere in ‘Klaxon’ treffen: het zijn figuren die hun populariteit bij het volk bewezen hebben, en daarom een veilige keuze in de ogen van de artiest. Maar de hedendaagse circusvoorstelling is eenvoudigweg hun plekje niet.
De twijfel bij artiesten om het roer om te gooien is geenszins onterecht: het gaat hier om circus als broodwinning. Geen succes is geen brood op de plank. Maar er ís een manier om de risico’s juist in te schatten en de angst te relativeren: dialoog, zowel tussen artiest en publiek als tussen artiesten onderling. Want zonder praten blijven we maar gissen en maken we de taalbarrière nog sterker dan voorheen. Nog in november van dit jaar toonde de workshop circuskritiek hoe hoog de nood aan praten over circus wel is. Gesprekken liepen uit, gespreksthema’s gingen van hot naar her. Meer nog, na vier dagen intensief praten over hedendaags circus bleek uit de gemengde groep van circusartiesten en circusliefhebbers een opvallende eensgezindheid, een soort begrip van wat hedendaags circus precies moet zijn, zonder dat iemand er exact de vinger op kon leggen. Die eendracht wierp ook erg individueel haar vruchten af: de artiesten in de groep deden inspiratie op voor nieuw werk en de liefhebbers ontwikkelden een soort van derde oog waarmee ze voortaan op een meer ruimdenkende manier circus in zich kunnen opnemen.
Uit de workshop bleek voornamelijk: we hebben lang genoeg in abstracte termen gepraat. Het is nu tijd voor gerichte gesprekken met concrete stappen tot gevolg. Gesprekken rond de inhoud van circusopleidingen moeten artiesten dichter bij zichzelf brengen, hen leren hoe ze een aartsmoeilijke technische oefening kunnen ondersteunen en zelfs versterken met het juiste verhaal. Gesprekken tussen artiesten onderling moeten aan de oppervlakte brengen waar het precies wringt in dat combineren van techniek en vertelling. Gesprekken tussen artiesten en publiek moeten de toeschouwer een blik in het hersenkluwen van de kunstenaar gunnen en moeten de artiest het vertrouwen geven dat een oprechte voorstelling haar toeschouwers zal raken. Vandaag ontbreekt het nog aan uitnodigende platformen voor zulke dialogen, maar met deze workshop circuskritiek toonden het Circuscentrum, de Vlaamse circusartiest en de Vlaamse circusliefhebber zich alvast bijzonder enthousiast en hoopvol.